La Forme de l’eau : critique hydrophile

ELISA, SAUTE MOI AU COU…

Elisa Esposito (Sally Hawkins) est une femme de ménage muette (mais entendante) travaillant de nuit dans un centre de recherche spatiale. Handicapée par son infirmité, son manque de confiance en soi et sa condition sociale, elle a pour seuls amis sa collègue Zelda (Octavia Spencer), femme de ménage afro-américaine qui lui sert d’interprète au travail, et son voisin Giles (Richard Jenkins), un illustrateur vieillissant vivant difficilement son homosexualité.

Cependant, tout change après un incident au cours duquel elle crée un lien avec une mystérieuse créature amphibie. Elisa décide de la faire sortir afin de lui éviter les traitements brutaux du chef de la sécurité Richard Strickland (Michael Shannon), qui lui en veut personnellement, et va progressivement tomber amoureuse du monstre…

Sally Hawkins, comme le reste du casting, est parfaite

… DANSE LA JAVANAISE…

Pour lister rapidement ce qui ne va pas, certaines répliques sonnent un peu faux, certaines situations sont amenées de manière un peu artificielle et le scénario fait quelques petites digressions sympathiques mais pas toujours nécessaires au récit dans sa globalité. En dehors de ça, La Forme de l’eau est une éclatante réussite, dont les quelques petites scories sont négligemment balayées par les nombreuses et grandes qualités du film. La première d’entre elle est notamment la direction artistique, riche en détails et absolument irréprochable, jusque dans sa musique – mention à la séquence Gainsbourg, un des sommets du film (reprise par Madeleine Peyroux).

Point primordial de l’esthétique de n’importe quel film de monstre, la créature incarnée par Doug Jones (un fidèle du réalisateur) ne souffre d’aucun défaut et si son design est somme toute assez classique, elle reste très réussie et son animation est parfaitement aboutie. Le film doit beaucoup au talent de Guillermo Del Toro pour créer des univers accrocheurs et des ambiances particulières, servis avec élégance par son style sombre et ses discrets mouvements d’appareil.

Le travail photographique est une grande réussite dans le sens où il est un écrin finement ciselé et pourtant totalement voué à être un support pour le récit – pour le raconter au mieux, se mettre à son service, et faire en sorte de ne pas nous ennuyer une seule seconde.

Le meilleur dans tout ça, c’est que ce n’est pas un effet numérique, c’est un costume.

Curieusement, cette histoire n’a justement pas grand chose d’original à raconter dans les grandes largeurs, et on pourrait même la résumer assez sommairement en quelques lignes. De la même manière, la psychologie des personnages n’a rien de révolutionnaire. Mais ce qui rend le film si attachant, c’est bien le regard tendre et humaniste de Guillermo Del Toro.

Celui-ci a toujours filmé des freaks, des mis au ban ou des proscrits, avec humanité et compassion au cours de sa carrière. Mais ici, cette tendresse est particulièrement communicative. Impossible de ne pas tomber sous le charme de tous les personnages du film. Le réalisateur arrive même à insuffler une humanité folle à son antagoniste principal au détour d’une scène incroyablement tendue avec son supérieur hiérarchique. L’exploit est d’autant plus fou que Strickland est vraiment un infect personnage dès sa première apparition ; et plus le film avance plus il prouve qu’il est bien le seul dans cette histoire à agir avec monstruosité.

F… U… C…K…

… ET DIT FUCK YOU

Mais surtout, impossible de ne pas tomber pour Sally Hawkins et son monstre à elle. La trajectoire d’Elisa Esposito est le moteur vrombissant du récit, et voir cette figure de perdante totale à la limite de la misère sexuelle s’affirmer, dire « Fuck you » et prendre son existence en main, est profondément émouvant. À ce titre, le film est certes une course-poursuite, certes un film de monstre, mais c’est avant tout un film d’amour. Compte tenu des faiblesses d’écriture de Guillermo Del Toro, c’est dans ce genre naturellement enclin à la niaiserie qu’on pouvait craindre de le voir se planter, mais la démonstration de talent est magistrale.

Pas un instant on ne tombe dans la mièvrerie ou dans la facilité, et cela est probablement rendu possible par le courage qu’a le film d’aborder sans fard et avec une grande justesse LE thème sous-jacent à l’amour, à savoir la sexualité. C’est ce qui rend le film si intime et puissant : ce chemin qui permet de créer une connexion forte, presque privée, entre le spectateur et une femme de ménage muette dont tout le monde se fiche, parce qu’il rend tangible et fait ressentir à fleur de peau la triste solitude d’Elisa quand elle n’a personne, et son bonheur infini quand elle est amoureuse.

« En dansant la javanaise, nous nous aimions… »

La Forme de l’eau est probablement un film qui va marquer un tournant dans la carrière de Guillermo Del Toro. Pas tant pour la nouvelle reconnaissance critique et peut-être un premier Oscar à la clé, mais plutôt parce que, si le film a l’air d’un récit Del Toro pur jus, sa trame est tissée de fils thématiques jusque-là encore assez inédits chez le réalisateur de L’Échine du Diable et Hellboy.

Certes, il n’est pas nouveau pour ce cinéaste de mettre face-à-face des protagonistes exclus (comprenez, des monstres) et des antagonistes incarnant une figure d’autorité et/ou une puissance normative (ce système est d’ailleurs ici extrêmisé, avec une handicapée, un nerd russe, un vieil homosexuel et une femme noire contre un militaire blanc viril), mais c’était auparavant au travers du prisme de peurs enfantines, comme l’abandon par exemple.

En se penchant ici sur l’altérité, la solitude, la vieillesse, l’amour et la sexualité, Guillermo Del Toro explore cette fois des angoisses plus matures, et, en filigrane, s’aventure même avec brio sur les terres du racisme, de l’homophobie et du sexisme, sans pour autant livrer un tract politique, ce qui achève de rendre le film vraiment brillant.