Casse-Noisette et les Quatre Royaumes : critique sucrée

COMPTES DE NOËL

Énième marque recyclée par Disney, Casse-Noisette et les Quatre Royaumes entend prolonger l’œuvre originale exactement à la manière du Alice au pays des merveilles de Tim Burton. C’est le capable mais irrégulier Lasse Hallström (Le Chocolat, Gilbert Grape) qui se voit confier le projet, avant que ce dernier et ses ambitions visuelles ne lui échappent manifestement, au profit de Joe Johnston.

Responsable des effets spéciaux de L’Empire contre-attaque, metteur en scène des Aventures de Rocketeer et de l’excellent Captain America : The First Avenger, l’homme est un artisan rompu à la narration old school comme à la maîtrise de projets immensément complexes visuellement. Chargé de superviser au moins un mois de tournage additionnel très lourd en effets spéciaux, l’artiste se retrouve nommé co-réalisateur (situation exceptionnelle, pour ne pas dire unique, aux Etats-Unis) et le studio décide vraisemblablement de ne pas s’investir plus avant dans un projet dont les coups d’arrêt et reports ont déjà coûté trop cher.

Une direction artistique qui mélange numérique, effets d’aplat à l’ancienne et décors en dur

Et cette genèse bouleversée se ressent d’autant plus dans Casse-Noisette et les Quatre Royaumes que c’est l’ouverture du film qui en pâtit le plus clairement. Mise en appétit pataude, personnages pâlots, découpage tristement mécanique en dépit de la fantaisie de l’univers dépeint, on sent le réalisateur très encombré par le monde qu’il doit déployer. De même, en matière de narration, et ce tout le long du métrage, on a le sentiment d’assister à un condensé des ambitions initiales, tant le récit progresse à marche-forcée.

Mackenzie Foy, vue dans Twilight et Interstellar

SANTA JOE

Pour autant, Casse-Noisette et les Quatre Royaumes est bien loin de s’avérer le cataclysme que laissait redouter l’attitude de Disney. Au contraire, le film s’impose régulièrement comme un antidote bienvenu aux tropismes qui gangrènent une partie de la production hollywoodienne. La candeur et l’absolue sincérité des sentiments qui y sont traités est d’une réelle fraîcheur. Très « Noël » dans son récit du deuil et de la sortie de l’enfance, le récit cherche continuellement à incarner visuellement ses thématiques.

Des décors et costumes invraisemblablement détaillés

Des contrées glacées, figées dans une mélancolie indicible, à la fausse douceur du Royaume des Fleurs, jusqu’à l’angoisse existentielle qui ronge littéralement le domaine décrépit d’une Helen Mirren impériale, le soin apporté à la direction artistique impressionne d’autant plus qu’elle mélange parfois avec brio des techniques très différentes.

C’est là où l’apport de Joe Johnston se montre à priori déterminant : la capacité à rendre tangible un univers fantaisiste, à lui donner corps dans ses costumes, comme ses accessoires, tout en veillant à leur permettre de dialoguer efficacement avec de grands mouvements opératiques produits numériquement.

 Helen Mirren

Et malgré plusieurs approximations scénaristiques, des personnages charmants mais trop fonctionnels et un projet qui souffre de ne pas creuser plus fortement son propre sillon, c’est finalement la capacité inattendue du conte à offrir des séquences exceptionnelles qui emporte le morceau.

Lors d’un ballet qui revient à l’épure de Fantasia, ou dès qu’apparaissent les soldats mécaniques, la fable prend vie avec un sens de la féérie impressionnant, qui fait rapidement oublier ses nombreuses cicatrices pour nous plonger dans un conte inquiet, dont les splendeurs recèlent autant de larmes cristallines.